Disclaimer: questo articolo è tratto dal blog Lookrobot. Ringrazio per la traduzione Edoardo Franco e per l’adattamento e la revisione Mirto Musci. Io mi sono limitato a impaginarlo e ospitarlo perché l’ho trovato interessante, toccando un argomento “spinoso” come il metagioco. L’articolo è particolarmente lungo rispetto a quelli che normalmente pubblico ma credo che ne valga la pena per la sua visione controcorrente. Si può essere d’accordo o no ma è certamente cibo per la mente.
Questo pezzo potrebbe sembrare un po’ pretenzioso, quindi preparatevi. E preparatevi ancora di più poiché la mia conoscenza di Brecht e Stanislavski è basata su un corso di teatro che ricordo a malapena, qualche conversazione con mia moglie (che, per inciso, è molto più in gamba di me) e una veloce ricerca su Wikipedia, quindi non aspettatevi un’audace critica teatrale o qualcosa che sia di più di una semplice rielaborazione di quanto letto altrove.
Ad ogni modo, sappiate che Stanislavski e Brecht erano due autori di teatro molto influenti ed entrambi si approcciarono al principio della caratterizzazione del personaggio da due differenti punti di vista che io inaccuratamente distillo per voi come segue:
Neeeeeeell’Angolo Rosso
Stanislavski concentrava tutto sul metodo di recitazione, nel senso che l’attore doveva cercare di abitare il personaggio, farsi assorbire dal ruolo immaginario e agire secondo quanto il personaggio avrebbe fatto in una data scena. La frase hollywoodiana stereotipata “Sì, ma qual è la mia motivazione” è di tipo Stanislavskiano – sottintende l’idea che il personaggio è più di quello mostrato sul palco, e che il pubblico vede giusto la punta del iceberg drammaturgico. Stanislavski incoraggiava gli attori a chiedersi “Che cosa farei se fossi IO il mio personaggio?” e a incanalare quell’emozione, quell’istinto, attraverso l’interpretazione. Emozioni. Sentimenti. Comprendere che c’era di più per un personaggio di quanto veniva alla luce. Tutte ottime cose, certamente.